 | | |
| | |
|
Spaces home  NANDO SUITE MOVIESPhotosProfileFriendsMore |  Tools   |
NANDO SUITE MOVIESPara mi, el cine no es un trozo de la vida, sino un trozo de pastel (Alfred Hitchcock)
September 22 BILLY WILDER UNO DE LOS DIRECTORES MÁS IMPORTANTES DEL CINE CLÁSICO, PARA MI EL MEJOR DE TODOS, HA SABIDO LLEVAR TANTO COMEDIAS COMO DRAMAS, Y SOBRE TODO UN USO DE INDIRECTAS E IRONÍA EN TODOS SUS FILMS.
Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha, Austria, 22 de junio de 1906 - Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002) fue un director de cine estadounidense de origen austríaco. Nació en Sucha, en el entonces todavía Imperio Austrohúngaro. Wilder pasó su infancia y su juventud en Austria. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, teniendo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA donde conoció a los grandes directores del momento. Adolf Hitler llega al poder en Alemania durante el año 1933, lo que obliga a Wilder, por su condición de judío, a huir a París, ciudad en la que se produce su debut en la dirección, con la película Curvas Peligrosas, codirigida con el periodista húngaro Alexander Esway en 1934. El filme narra la historia de un grupo de ladrones de coches, dos de los cuales se enamoran y quieren abandonar la banda, pese al riesgo de represalias por parte del resto de los miembros. Wilder rodó la película sin demasiado entusiasmo y, según sus propias palabras, lo hizo por necesidad y sin experiencia. Tras su breve paso por la capital francesa, Wilder en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Para entrar en la industria estadounidense, Wilder tuvo primero que aprender el idioma, desconocido hasta entonces para él. Compartió apartamento en estos primeros tiempos con el genial actor Peter Lorre, uno de los personajes que le facilitaron el acceso a los estudios. En el año 1940, Wilder adoptó la nacionalidad americana, lo que le permitió ser coronel del ejército durante la 2º Guerra Mundial. La experiencia adquirida durante su etapa castrense, le permitió recrear fielmente el Berlín ocupado para su película Berlín Occidente (1948). Wilder y Lorre compartieron hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. El día de su funeral dijo: "Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".
Sus primeros años en Hollywood los dedica a trabajos como guionista en títulos de directores exiliados como él. Así podemos encontrar colaboraciones suyas en trabajos de William Dieterle, Joe May o Rolf Thiele. En esta época comienzan sus colaboraciones con el escritor Charles Brackett, fruto de lo cual surgieron películas como La octava mujer de Barba Azul (Ernst Lubitsch, 1938), Medianoche (Michael Leisen, 1939), Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939), Bola de fuego (Howard Hawks, 1941), Berlín Occidente (Billy Wilder, 1948) y El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950) último trabajo en común de ambos. El mayor y la menor (1942) supone el segundo trabajo como director de Wilder, si bien es el primer trabajo del austriaco en Estados Unidos.
La consagración le llega con el título Perdición / Pacto de Sangre (Double Indemnity), 1944. Basada en una novela de James M. Cain, la historia nos presenta a un vendedor de seguros que conoce a la esposa de un posible cliente. Esta pretende liquidar a su marido para lo que cuenta con la ayuda del vendedor, cegado por la pasión que la mujer despierta en él. El título tiene el merito de lo que Raymond Chandler, coguionista del filme junto a Wilder, llamó la cacería, novedad consistente en que el espectador conoce a los culpables desde el comienzo y espera ansioso ver cuando se les atrapa. Durante el rodaje hubo diferencias entre Wilder y Chandler que hicieron a éste último elevar una protesta por escrito a los estudios. Wilder reconocía las diferencias que había entre él y Chandler: "primero estaba mi acento alemán. Segundo, yo conocía mejor las herramientas que teníamos que utilizar. Y, además, yo tenía algo: era joven y salía con chicas guapas. Todo esto lo hacía volverse loco. Me miraba fijamente. Yo encarnaba todo aquello que él odiaba de Hollywood. Además, no podía sobreponerse al hecho de que, en lo que se refería al guión, yo tuviera la última palabra." El éxito del filme fue clamoroso y el mismísimo Alfred Hitchcock mandó un telegrama a Wilder en el que escribía: “Desde, Perdición las dos palabras más importantes en el mundo del cine son Billy Wilder".
El siguiente trabajo de importancia de Billy Wilder le llega con Días sin huella (The lost weekend), 1945. La historia presenta a Don Brinam, fracasado profesionalmente y con una vida sumida en el infierno, debido al alcohol. Todo el rodaje se llevó a cabo en las calles de nueva York, con Ray Milland en el papel principal. El preestreno del filme resultó un total fracaso, por lo que la Paramount decidió archivar la película, golpeando de esa forma muy duramente al cineasta austriaco, pero meses después se reestrenó y el público si respondió. Además, el filme se hizo acreedor a cuatro Oscars de la Academia.
En 1950, Wilder realiza una de sus películas más realistas y duras, El Crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard). La película presenta a un escritor mediocre, Joe Gillis, que se refugia en la mansión de Norma Desmond, diva del cine mudo retirada del mundanal ruido. Norma pretende que Joe corrija un guión escrito por ella, parea que suponga su rutilante vuelta a la fama. Wilder afirmaría con su habitual franqueza y mordiente: "para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural." Louis B. Mayer se lanzó sobre Wilder enfurecido cuando visionó el producto final: "¡Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que lo ha convertido a usted en alguien y que le ha dado de comer. Habría que alquitranarlo y emplumarlo y echarlo de la ciudad!”. Wilder permaneció impasible aguantado el temporal y, cuando concluyó, dijo: "Fuck you!". Pero la crítica fue excelente para el filme y lo lanzó directamente al olimpo de las obras maestras. El N. Y. Times escribió: "El Ocaso de una Estrella es una rara mezcla de guión cáustico, interpretación magnífica, dirección magistral y fotografía discretamente artística con la que el público queda hechizado de manera automática y cautivo de un clímax desgarrador". Wilder continuó con sus duras y realistas críticas en su siguiente trabajo, El Gran Carnaval (Ace in the hole, 1951), trabajo protagonizado por Kirk Douglas, pero que supuso el primer fracaso del cineasta.
El año 1954 supone una rebaja en sus ansias de crítica de la sociedad y del ser humano, ya que lleva a cabo el rodaje de una deliciosa comedia: Sabrina, protagonizada por una bellísima Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden. Trata sobre el clásico tema de la Cenicienta y supuso un gran éxito, lo que no evitó que el rodaje estuviera repleto de problemas. Billy Wilder afirmaría al respecto: "Bogart no me podía soportar; tampoco podía soportar su papel y no hacía un secreto de ambas cosas. Hasta entonces, había interpretado sobre todo a tipos duros que llevaban gabardina, que ocultaban sus sentimientos. Se había hecho famoso por su papel de Rick en "Casablanca" y acababa de ganar el Oscar por su papel en “La Reina de África”. Y ahora debía engañar a una muchachita cursi, para quedar, finalmente, a su merced. A él esto no le gustaba". El N. Y. Times declaró: "Sabrina es la mejor comedia romántica de los últimos tiempos".
En 1957, Wilder comenzó a colaborar con I.A.L.Diamond para escribir sus guiones, trabajo del que surgieron Ariane (1957), Con faldas y a lo loco (1959), El apartamento (1960), Uno, dos, tres (1961), Irma la dulce (1963), Bésame, tonto (1964), En bandeja de plata (1966), La vida privada de Sherlock Holmes (1970), ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (1972), Primera plana (1974) y Fedora (1978). Tras Sabrina Wilder llevó a cabo el rodaje de dos comedias muy sensuales: La Tentación vive arriba (1955) y Con faldas y a lo loco (1959). Ambas tienen como protagonista a Marilyn Monroe, de la que Wilder llegó a afirmar: “Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la Segunda Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena”. Existe una escena que inmortalizó a Marilyn y a La tentación vive arriba: Marilyn encima de un respiradero del metro y con el vestido ascendiendo sobre sus piernas. Wilder dijo sobre la escena: "Cuando rodé con ella la escena de la boca de ventilación del metro tenía la atención del mundo. Se reunieron veinte mil personas, hubo caos de circulación y una crisis matrimonial entre Joe DiMaggio y Marilyn. Reconozco que yo también me habría puesto nervioso si veinte mil personas hubieran estado observando una sola cosa: cómo mi mujer se levantaba las faldas por encima de la cabeza". La película obtuvo un buen resultado positivo en las taquillas, pese a que no fue muy del gusto de la crítica. El segundo trabajo con Marilyn es Con faldas y a lo loco, en la que también participan Tony Curtis y Jack Lemmon. El rodaje con la rubia fue bastante problemático, puesto que llegaba tarde con frecuencia, olvidaba las letras, hasta el punto de tener que repetir una escena 59 veces, pretendió imponer el color en vez del blanco y negro y, para colmo, se negó a perder 10 kilitos de nada para el rodaje, motivo por el cual aparece algo rolliza. Wilder diría sobre ella y su legendaria tardanza: "Sobre la impuntualidad de Marilyn debo decir que tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?... Además, mientras esperamos a Marilyn Monroe todo el equipo, no perdemos totalmente el tiempo... Yo, sin ir más lejos, tuve la oportunidad de leer Guerra y Paz y Los miserables." Este fue el último trabajo de Wilder con la rubia, motivo por el cual afirmó: "Me han preguntado si volveré a trabajar con Marilyn Monroe, y tengo una respuesta clara. Lo he discutido con mi médico, mi psiquiatra y mi contable, y todos me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico para someterme de nuevo a una prueba semejante.
Irma, La Dulce (1963) se convierte en uno de los mayores éxitos de Wilder. Sus protagonistas son una pareja ya conocida del director: Shirley MacLaine y Jack Lemmon. El filme cuenta una historia de amor entre una prostituta parisina y un policía. La película despertó opiniones desiguales entre la crítica.
La Vida Privada De Sherlock Holmes (The private life of S. Colmes, 1970) supone una apuesta personal de Wilder, pero desafortunadamente el filme no alcanzó el éxito deseable, aunque con los años está comenzando a ser reconocida. En 1974, regresa a sus años de duras críticas y polémicas gracias al título Primera plana (Front Page). La película afronta el tema de la pena de muerte y su utilización morbosa por parte de los medios .La crítica no se sintió bien tratada en el filme y, haciendo acopio de corporativismo, no lo calificó bien. Incluso, el propio Wilder no quedó muy satisfecho con el trabajo.
Aquí un amigo (Buddy, buddy, 1981) se erige como el último trabajo de Billy Wilder, para el que contó con sus dos cómicos favoritos: Jack Lemmon y Walter Matthau. Las críticas convirtieron al filme en un fracaso, hecho que fue asumido por el propio Wilder.
BUENO...NADIE ES PERFECTO, VOTAD MI BLOG...MUCHAS GRACIAS
April 21 ROBERT STEVENSON
Robert Stevenson (1905-1986) para mi uno de los mejores directores que trabajó para Disney fue un cineasta inglés que debutó en 1930 como guionista y en 1932 pasa a la dirección con Happily Ever After. De su etapa británica resalta, sobre todo, El hombre que trocó su mente (The Man Who Changed His Mind, 1936), muy interesante cinta de horror protagonizada por Boris Karloff, para pasar ese mismo año a Estados Unidos con Las minas del rey Salomón (King Solomon’s Mines), país donde ofrecerá películas tan excelentes como Alma rebelde (Jane Eyre, 1944), con Orson Welles.
En 1957 es contratado por la Disney (que es por lo que más vamos a hablar de este estupendo director) para dirigir el simpático western Fiel amigo (Old Yeller, 1957), y el resto de su carrera la desarrollará dentro de la productora, hasta Un candidato muy peludo (The Shaggy D.A., 1976), luego se haría un remake reciente de esta misma película llamado Cariño, estoy hecho un perro con malísimo Tim Allen como protagonista.
Stevenson otorgó su conocimiento del medio a estos filmes, siendo sin duda el mejor de los fijos que trabajó para la Disney, muy por encima de flojos asalariados como Norman Tokar o Bernard McEveety. No sólo por las películas antes citadas se le conoce, sino por un montón más, películas como Un sabio en las nubes (1961) película protagonizada por Fred Macmurray, película de la que luego la productora Disney haría un remake con Robin Williams llamado Flubber y el profesor chiflado FLUBBER es el nombre original del invento creado por Fred Macmurray en cuya película en su versión en español a tal artilugio lo llamaba GOMABALL. Luego en 1962 dirigió una de las películas que más me han gustado de Stevenson que fue Los hijos del capitán Grant, una película de aventuras protagonizada por Hayley Mills, Maurice Chevallier y Wilfrid Hyde-White como protagonistas en la que dos niños Mary y Robert junto a un profesor francés Jacques Paganel van en busca de su padre el capitán Grant perteneciente al barco Britannia, todo esto acompañado por los efectos especiales acostumbrados de Disney.
Como podemos observar a Disney, sobre todo a este director le gustaba usar la mayoría de las veces a los mismos actores que formaban parte de sus películas, en 1962 hizo la segunda parte de un sabio en las nubes la cual se llamaría Un sabio en apuros también protagonizada por el mismo actor.
La película que supuso para él su obra cumbre fue la inolvidable Mary Poppins dirigida en 1964 y protagonizada por Julie Andrews, Karen Dotrice, Matthew Garber y por los geniales Dick Van Dyke, David Tomlinson, Glynis Johns y Ed Wynn (un secundón muy usado por Disney en sus películas) en una historia en la que se mezclan personajes reales con personajes de animación y unos buenos efectos especiales y una gran banda sonora. Mary Poppins es la nueva niñera de Jane y Michael, cuyo padre ha despedido ya a un sin fin de ellas. A pesar de las reticencias del padre ante las extravagancias de Poppins, los niños vivirán un verdadero cuento de hadas a su lado, pues ella resuelve todos los problemas como si fuera un juego y, acompañados de su amigo Bert, se introducirán en un cuadro y vivirán una apacible tarde de domingo. Gracias a Mary Poppins, el severo padre de los chicos, comprenderá que no ha sido un buen padre para sus hijos, e incrementará sus juegos y atención hacia ellos. Mary Poppins consigue de nuevo su propósito: Hacer feliz a una familia, esta película le valió 5 Oscar uno de ellos el de mejor actriz (Julie Andrews), y los demás a canción, banda sonora original, montaje, efectos visuales icluyendo también hasta 13 nominaciones.
En 1965 dirigió otra de las películas por las que se le conoce: Un gato del FBI también protagonizada por Hayley Mills dueña de un gato callejero llamado M.G. el cual llega con un reloj de pulsera con la palabra HELL (infierno) que en realidad la protagonista descubre que la palabra escrita e inacabada en el reloj es HELP (ayuda) y con un despistado Dean Jones en agente del FBI que se encargará con la ayuda de sus ayudantes perseguir al gato para que les lleven a los secuestradores de la supuesta dueña del reloj, una película policiaca con muchos toques de humor contaba con dos secundones que aprecerían también en varias películas Disney:Elsa Lanchester (la cual veríamos en Mary Poppins como la niñera que se despide por estar harta de los niños) Ed Wynn (el dueño de la relojería) y Roddy McDowall. De esta película la productora Disney también llevó a cabo un remake protagonizado por Christina Ricci y creada exclusivamente para televisión en la cual hace una pequeña aparición Dean Jones.
La tercera película que más me gustó de Stvenson fue El abuelo está loco la cual dirigió en 1966,unos niños (los mismos que participaron en Mary Poppins Karen Dotrice y Matthew Garber) acuden de excursión a un bosque con su abuelo (Walter Brennan actor de los filmes de John Ford y de muchos de los clásicos de Hollywood, en una de sus últimas apariciones en la gran pantalla). Al realizar una parada para merendar, descubren unos habitantes del bosque que hasta el momento habían pasado desapercibidos ante los seres humanos. Se trata de unos pequeños gnomos (el gnomo abuelo es también el actor Walter Brennan y un gnomo secundón que aparece casi al final de la película protagonizado por Ed Wynn) que enseguida se hacen amigos de los niños y del abuelo. Uno de los más entrañables largometrajes de los muchos que realizó para la productora Walt Disney. Contiene una magnífica actuación del veterano Walter Brennan. Y como secundón también muy usado por Disney Richard Deacon al cual pudimos ver en una pequeña aparición como dueño de un cine de automóviles en Un gato del FBI antes mencionada.
En 1967 dirigió Mi amigo el fantasma otra película familiar que contó con la presencia de Dean Jones como el entrenador de un patético grupo de atletismo con el que se propone ganar el ansiado premio de un concurso en el cual el colegio al que pertenece siempre ha participado pero con negativos resultado y con el gran Peter Ustinov como el capitán Barba Negra el cual ayudará a Dean Jones a conseguir sus objetivos ayudándolo para poder librarse del maleficio al que está atado. En esta película se contó con actores como Suzanne Pleshette (con la cual volvería a protagonizar otro film de Disney: Los perros de mi mujer), Elsa Lanchester y Richard Deacon nuevamente. Se van notando los actores tanto principales como secundarios en las películas Disney. La película brinda la peculiaridad de que gran parte de los personajes se pasan la mayor parte el metraje hablando a gritos, ofreciendo un tono histérico, casi psicótico, al conjunto, otorgando, en suma, una extraña atmósfera alucinatoria (lo cual es acrecentado por la surrealista imagen de la mansión de las ancianas, conformada por restos de galeotes hundidos) a esta comedia, como decíamos, amable a priori. Todo ello es adornado por unas pocas y divertidas escenas al más puro estilo slapstick, así el episodio con el guardia de tráfico motorizado, las continuas caídas del camarero en el restaurante (el mismo camarero del cine de automóviles en Un gato del FBI el cual también cae con los pedidos de comida de los clientes del cine), todas las intervenciones fantasmales durante las mini-olimpiadas, o el enfrentamiento final con los gángsters. Y un poético epílogo, con el espectro, una vez deshecha la maldición, regresando a su barco fantasma, tripulado por los espíritus de los marineros que sirvieron con él.
Ahí va ese bólido (1969): Jim Douglas (Dean Jones) es un corredor de "formula uno" que, a pesar de ser excelente piloto, se ha quedado muy atras en todas las competiciones. Apartado de la profesion, necesita un trasto cualquiera para moverse por San Francisco y encuentra un Volkswagen muy antiguo. Pero aquella reliquia, aquella pieza de museo, resulta poseer algo tan misterioso como un corazón, un compartimento tan sensiblemente humano, que acabará resolviendo todos los problemas de Douglas. Aquel misterioso vehículo tiene nombre: se llama Herbie. Michele Lee y Buddy Hackett se unen a Herbie con un malo malísimo David Tomlinson (protagonista de Mary Poppins) en esta acelerada comedia que ya es todo un clásico...parezco un anuncio, ¿no?, de esta película se hizo otro remake por la productora Disney llamada Herbie a tope, ni sé quienes fueron los protagonistas, pasó sin pena ni gloria, como la mayoría de estos remakes. Luego apareció en 1974 la segunda parte llamada Herbie un volante loco
Posteriormente en 1971 dirigió otra de las películas que más me gustaron de este director llamada La bruja novata interpretada por la conocida Angela Lansbury y por los ya conocidos David Tomlinson y Roddy McDowall. Corre el año 1940, la estricta y severa Eglantine Price (Angela Lansbury) es una bruja aficionada que tiene que hacerse cargo, muy a su pesar, de 3 niños que han sido evacuados al pequeño pueblo costero inglés donde ella vive debido a la Segunda Guerra Mundial. Juntos con la ayuda del profesor Browne deberán luchar contra el invasor alemán, empleando para ello todos los trucos de Eglantine.
Estuvo casado con la actriz Anna Lee de 1934 a 1944. Muchas otras películas de Robert Stevenson fueron: 1932 HAPPY EVER AFTER LOS REMAKES DISNEY
YA QUE ANDAS POR AQUÍ VOTA MI BLOG, GRACIAS
April 18 JOSEPH L. MANKIEWICZJoseph Leo Mankiewicz (11 de febrero de 1909, Wilkes-Barre, Pensilvania - 5 de febrero de 1993, Bedford, Nueva York), comenzó la carrera de medicina, en la rama de la psiquiatría, pero una baja puntuación en una asignatura le impidió terminar esos estudios. Sin embargo, en 1928 consiguió un diploma en la rama de Arte de la Universidad de Columbia. Una vez terminados los estudios, Joseph viajó a Berlín, donde trabajó como corresponsal del Chicago Tribune y donde empezó a aficionarse por el teatro y el cine (en aquellos momentos estaba en pleno apogeo la corriente expresionista del cine alemán). Su única aportación al cine alemán fue el de traductor de intertítulos para la productora UFA. En 1929, su hermano Herman le llama desde Hollywood, donde trabajaba como guionista, y dado que Joseph no se encuentraba en su mejor momento económico, decidió aceptar la invitación de su hermano.
 Los primeros pasos en el cine estadounidense los dio en los Estudios Paramount donde su labor fue secundaria y apenas sin relevancia profesional. Poco después y ya bajo contrato de la Metro-Goldwyn-Mayer, obtuvo su primer éxito profesional al colaborar en el guión del melodrama negro El enemigo público número uno</ | |||||||||||||||
Profile
Blog
Guestbook
Photos
Lists
Friends
